El décimo trabajo en la historia artística del compositor argentino, ha sido publicado por “Viento Azul”, su propio sello discográfico independiente y de autogestión. Contiene 10 canciones originales, escritas, compuestas y producidas por Lisandro Aristimuño y las participaciones especiales de Wos y Lito Vitale.
Es el primer álbum grabado y producido en su propio estudio “Viento Azul”, esto lo impulsó nuevamente a experimentar con máquinas y computadoras. La electrónica de CRIPTOGRAMA fue el puntapié de la producción artística y la realización de maquetas digitales como estructura base del álbum, para luego trasladarlas a la instrumentación orgánica y humana.
Si un CRIPTOGRAMA es un mensaje secreto escrito en clave, esta obra tiene las señales de su propia construcción, dialogando con su vida personal y con la observación de la actual forma que llevamos de comunicarnos en estos tiempos: vía celular, por mensajes, emoticones y símbolos.
Son diez canciones para su décimo álbum. Tres de las cuales llevan el número 1 como referencia al renacimiento y al inicio de una nueva etapa.
CRIPTOGRAMA
1- Levitar
2- Cosas del amor
3- Loop
4- Sombra 1
5- Nido
6- Hoy no fue ayer
7- Comen
8- Señal 1
9- Cuerpo
10- Baguala 1
Escucha la entrevista con Lisandro Aristimuño aqui:
«Creo que no hay una buena campaña que no tenga una gran música.»
Un repaso a la actualidad creativa contada por Carlos Holemans, uno de los Directores Creativos mas talentosos de España, ex Presidente del Club de Creativos, Chief Creative Officer de Deloitte Digital y ferviente seguidor de la obra de Bob Dylan.
Así como la sociedad se ha enfrentado a grandes retos, la creatividad para marcas se encuentra ante varios procesos de transformación en donde una disciplina como la música y su carácter emocional juega un papel fundamental.
Campañas clásicas como la que acompaño el lanzamiento de La Flaca de Jarabe de Palo, hasta piezas de branded content creadas para las nuevas plataformas digitales.
Hablamos con Joaquín «Kin» Martínez, presidente de la La Federación de la Música de España, director general de Esmerarte, manager de figuras tan importantes como Vetusta Morla, Xoel López o Carlos Sadness, uno de los principales responsables de destacados festivales en Galicia e impulsor de importantes iniciativas culturales en Iberoamérica.
La Federación de la Música de España, es la entidad que representa y promueve los intereses colectivos del sector de la música de España.
Desde comienzos de año las 9 asociaciones principales de la industria musical se juntaron para atender y focalizarse para conseguir la consolidación y regulación de un sector fundamental para la economía del país.
Los 4 objetivos fundamentales de la federación son:
1- Las Normativas laborales y convenios colectivos para los profesionales del sector.
2- La parte de educación y formación: carreras universitarias para fomentar la bolsa de trabajo para profesionales cualificados.
3- La adaptación fiscal y categorización de impuestos para los artistas y sus equipos en periodos de ejercicios naturales sino en ejercicios creativos
4- el reconocimiento como sector estratégico para dinamizar otros sectores como el turismo, la logística, el transporte o la restauración, entre otros
Por ultimo plan de desarrollo del talento, no solo introducirlo, sino un plan de consolidación, mercado común y la internacionalización del talento.
Miembros
ACCES
Asociación Estatal de Salas de Música en Directo
AEDEM
Asociación Española de Editores de Música
AIE
Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España
APM
Asociación de Promotores Musicales
ARTE
Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo
El quinteto mexicano sigue sumando adelantos de lo que será su séptimo trabajo en estudio.
«Divergencia», es la nueva canción de la banda, la quinta desde otoño pasado, cuando irrumpieron con la energética “Relámpago”, que fue seguida por “Secuaz”, “Siempre Tu” y “La Batalla” que, junto con otros temas que están componiendo y grabando en estos meses, serán parte del nuevo álbum que se lanzará a finales de año.
El nuevo single, compuesto y grabado entre enero y febrero, incita a no dejar de bailar nunca, dentro de la adversidad.
Así es Divergencia según su autor:
«Es un tema que habla de optar por divergir hacia un camino de alegría mientras uno anda por el camino de la angustia. Musicalmente involucra sonidos de sintetizadores que evocan una época de tiempos mejores, con una melodía vocal nostálgica, para que de pronto se torne la música en un ritmo alegre. Además de los elementos musicales ya mencionados, los otros instrumentos que participan son: una batería con tintes de sonido de videojuego, un bajo punteado estilo punk de los 70s y una guitarra que da leads armonizados y crujientes al estilo “Cuando estoy con él”, tema de Janette. La melodía, a pesar de que se encuentra en una atmósfera melancólica, siempre busca alegría, lo cual le da cierre al círculo conceptual del tema; el poder de escoger el camino de la buena actitud, no importando la circunstancia”.
Recientemente Enjambre también presento una re-lectura de Tercer Tipo en donde comparten junto a Lori Meyers.
Escucha la entrevista con Luis Humberto, vocalista de Enjambre aquí:
Hablamos con el compositor y multi-instrumentista, desde su casa en Valmiñor y nos contó, detalles sobre su reciente cotidianidad en aislamiento y su actualidad musical.
El pasado mes de diciembre Iván terminó la gira de Casa, su mas reciente trabajo en estudio y también había estado defendiendo en directo Cena Recalentada, su re-lectura de Golpes Bajos.
Ademas se publico una caja recopilatoria titulada 15 Años entre Canciones para el Tiempo y la Distancia, que incluye grabaciones de toda su etapa como solista, colaboraciones y versiones alternativas.
Ahora se encuentra compaginando osciladores, módulos sintéticos y su nueva afición por la agricultura para sembrar las semillas de lo que sera un nuevo álbum.
Tras su primera experiencia como padre hace mas de una década el músico y compositor colombiano Daniel Roa tuvo una gran idea, componiendo melodías infantiles personalizadas con una producción fresca e historias sencillas donde el nombre de cada niño pudiese ser el protagonista de cada canción, así nació el proyecto La Totuga que cuenta en la actualidad con 4 volúmenes haciendo que padres e hijos puedan compartir y disfrutar la música.
Mas adelante junto a Camila Rivera y Tatiana Samper se unieron con el propósito de inspirar el despertar de conciencia y reconexión con la vida a través de la música. De esta manera estrenaron su nuestro primer disco “Un Bosque Encantado” en el 2011 y en noviembre de 2017 un segundo volumen titulado “Un Bosque Encantado 2”, que fue nominado en 2018 a los Latin Grammys.
En abril de 2018 presentaron el libro: “Un Bosque Encantado y el Misterio del Agua” con una historia llena de mensajes que hila las 9 canciones de su primer disco. En junio de 2018 lanzaron también una serie para televisión con el mismo nombre, en coproducción con Canal Trece.
Hace tan solo unos días publicaron Todo Esta Bien, una grabación que sucedió en la distancia durante las primeras dos semanas de cuarentena y que cuenta con un video donde contaron con la colaboración de varios músicos y familias.
La dupla de compositores han publicado un disco de canciones artesanas, sin complejos, sincero y marcado totalmente por la R que R de Rock & Roll.
Lo que empezó como una gira se consolida como unión artística. El origen de la aventura se produjo en el Sonorama Ribera del pasado agosto, cuando ambos decidieron unir fuerzas. Dos barceloneses crecidos en Madrid pero con muchas otras cosas en común se pusieron a trabajar hombro con hombro, después de presentar en los últimos tiempos nuevos álbumes en sus respectivas carreras. En el caso de Rubén, Habrá que vivir (2017), un disco de puro rock de guitarras afiladas y estribillos burbujeantes, y en el de Lichis, Mariposas & Torneos de Verano (2018).
El músico, cantante y compositor Rubén Pozo se dio a conocer con Buenas Noches Rose, banda de la que saltó a Pereza con Leiva. Su carrera en solitario ha dado ya como fruto un total de tres álbumes. Entre tanto Lichis, es un versátil compositor, letrista, productor y multiinstrumentista que formó parte de grupos como Way May, Montana o Maleza. Después creó La Cabra Mecánica, para emprender después su carrera en solitario o integrarse en el grupo La Pandilla Voladora. En 2007 funda Troublemakers Blues Review con la intención de profundizar en la música que le apasiona, el blues, con la que se inició como bajista a finales de los ochenta.
TRACK BY TRACK (Por Lichis):
Mesa para dos:
Primera canción que compusimos para el disco, supongo que una
declaración de intenciones. Escribí la música, la primera estrofa y el
estribillo y Rubén aportó su visión en la segunda estrofa haciendo el
mensaje conjunto. Canción de medio tiempo de Rock Americano clásico, por
allí anda el espíritu de Petty, Traveling Wilburys o Jayhawks.
Trompas de Eustaquio: Un tema en un bucle de acordes casi constante que va creciendo en intensidad hasta el final, un toque entre rock y gospel cañí. Tema escrito por Rubén con unas imágenes muy personales y potentes. Tras grabar los coros, y aprovechando que Rubén no andaba aquel día por el estudio, grabamos un solo de Trompa al final del tema. Lo encajó bien. Es una de las canciones más coreadas en directo.
Loquillo: Mientras la escribía, Rubén me mostró unos versos que había escrito durante una noche de insomnio: «No escribo una mierda o lo hago… ya no soy poeta tengo sueño a las 5». Se los fusilé. Completé después la canción tras dos meses buscando algunos acordes de paso. Un tema Soul con vientos aportando un toque cool, una reflexión sobre la masculinidad y la confianza en uno mismo. Parece que al «Loco» le pareció bien, o no del todo mal.
Canción Maldita: Canción de Rubén a la que dimos mil y una vueltas. Tomamos la melodía y la montamos sobre un viejo rifle de guitarra que R guardaba desde hacía muchos años. Utilizamos un recurso para probar ideas que nos ha funcionado muy bien: Rubén a la guitarra y yo a la batería. Grabamos después una versión bastante troglodita y posteriormente se hizo la definitiva más stoniana con toques glam.
Nudo Sur: Reivindicación de la working class de nuestras periferias. Rubén me sugirió un par de imágenes muy potentes con las que completé la letra: las casas de apuestas y la realidad social ajena al los turistas y a la imagen que se vende de Madrid. La veo como una canción enérgica de Power Pop. La escribí inspirándome en mis habituales viajes en cercanías y en un artículo que leí en un periódico en el que se defendía la dignidad del llamado fenómeno “Choni”.
El Batiscafo Verde: Rubén es un enamorado del reggae. Con sus toques rock, su soterrado homenaje a Jacques Cousteau y sus imágenes surrealistas, es una canción relajada y divertida. Otra muestra de la maestría de R para encontrar esas imágenes tan poderosas y personales. Sus toques de guitarra con wha tienen un delicioso saborcillo a J.J. Cale, al menos eso creo. Si no es así espero que me perdone.
Rock de Pueblo: La escribí con el paisaje en movimiento y el zumbido del aire de una ventanilla del coche a lo largo de la centena viajes para actuar que hemos hecho mientras grabábamos el disco. La idea del estribillo me llegó viendo una actuación de Poncho K con el que compartimos escenario en un festival en un pueblo de Andalucía. Rubén escribió la estrofa que interpreta en la canción, siempre aportando clase y acento clave donde se necesita. Un canto a la sencillez y a aquellas cosas que forman parte de nosotros aunque a veces las neguemos para dar una imagen más «sofisticada», algo muy en boga.
Asco y Vergüenza: Una de las primeras canciones que me enseñó Rubén. Un año más tarde la trajo de vuelta, esta vez al piano. Me senté a la batería y le dimos forma a dúo. Tiene ese toque Beatles cuando a Macca le daba por la comedia musical y está sazonada con unos coros que homenajean al Pop español de los años 60. ¿Quién no ha vivido sensaciones parecidas a las que se cuentan en la letra tras una noche de juerga y excesos a tumba abierta?.
RUBÉN POZO:
“Es evidente que esto no lo lee nadie. Y es normal, yo tampoco lo haría. O se escucha algo o no se escucha… ya no te digo leerse la nota de prensa. Siempre dan un poco de vergüenza. Sobre todo si están escritas por la misma persona que ha confeccionado ese trabajo. Y más aún si, (oh dioses), esta lo ha redactado en tercera persona…
Aquí tienes dos años intensos de trabajo en carretera y estudio. Se trataba de hacer el mejor disco posible por encima de cualquier otra consideración.
Dale un minuto a cada tema y, entre pitos y flautas, en un cuarto de hora estarás preparado para dar tu opinión. Pero si en un descuido empiezan a sonar canciones enteras entonces… (¡oh dioses!), lo habremos conseguido. Porque en eso consiste nuestro trabajo: conseguir que, independientemente de lo que dure una canción, mientras suena, el tiempo desaparezca.”
LICHIS:
“Nuestra única intención con este disco era disfrutar del proceso y dejar una colección de canciones para nuestros nietos. Si además hemos conseguido captar tu atención y formar parte de un ratito de tu vida ya nos haces doblemente felices.Gracias de todo corazón.”
El videoclip de Tigre de Bengala es el viaje de Xoel por la imaginación desbordante que recorre la letra de la canción y que llena de frescura, ritmos bailongos e imágenes oníricas un universo tanto real como animado, tanto casero como colorido. Una manera de proponer cómo ampliar nuestra realidad más allá del confinamiento desde el juego, la alegría y la belleza.
Este es el reducido equipo de personas que han creado este videoclip: el ilustrador y animador Pedro Perles, en la postproducción y rodaje Esteban Perles, la directora Maral Kekejian y el cantante Xoel López.
Esa variedadestilística plasmada en tres canciones tan diversas como Alma de oro, Joana y Tigre de Bengala es una de las características de esta nueva etapa, en la que Xoel se adentra tras cerrar con “Sueños y Pan” (2017) una suerte de trilogía iniciada en 2012 con “Atlántico” y continuada tres años más tarde con “Paramales”.
Frente a la autoría exclusiva que presentaban esos tres trabajos, en el nuevo álbum Xoel comparte la responsabilidad creativa con el joven compositor David Quinzán, del mismo modo que cede los mandos de una producción que venía ejerciendo en primera persona. Son algunas de las novedades de un artista pese a todo perfectamente identificable, gracias a ese timbre vocal distintivo y privilegiado y a su forma tan personal de afrontar las canciones.
MSDL – Canciones dentro de canciones es el titulo de la mas reciente aventura sonora de Vetusta Morla, un autentico retorno al punto sin retorno que redefinió el estilo de la banda en 2017 cuando dieron vida a Mismo Sitio, Distinto Lugar.
En esta oportunidad tal como ocurrió con la grabación y arreglos del Concierto Benefico junto a la Orquesta Sinfónica de la región de Murcia, la banda sonora para el videojuego Los Ríos de Alice o incluso con la efervescencia de La Deriva en 15151, dan rienda suelta a su libertad creativa y de interpretación, despojando de sus trajes alemanes hechos a medida en los Estudios Hansa y retomando la composición desde su esencia en el local de ensayo, y construyendo en algunos casos de paredes de sonido como en Palmeras en la Mancha y Punto sin Retorno o mutaciones poli-rítmicas como en Te lo Digo a Ti o 23 de Junio.
MSDL – Canciones dentro de canciones, ha sido producido por Carles Campi Campón y Vetusta Morla para Pequeño Salto Mortal. Y fue grabado en Estudio Uno (Colmenar Viejo, Madrid), mezclado por Carlos Raya en Estudios Riff Raff (Madrid) y masterizado por Brian Lucey en Magic Garden Mastering (Los Ángeles).
Ademas durante los últimos días los madrileños ha publicado Los abrazos prohibidos en apoyo a los trabajadores de la Sanidad Pública y que ha sido compuesta, grabada y producida durante las semanas de confinamiento con la colaboración de un amplio grupo de artistas que han querido sumar solidariamente sus voces al proyecto: Alice Wonder, Andrés Suárez, Carlotta Cosials (Hinds), Christina Rosenvinge, Dani Martín, Depedro, Eva Amaral (Amaral), Ismael Serrano, Iván Ferreiro, Joaquín Sabina, Kase.O, Leiva, Luz Casal, Maika Makovski, Marwan, Nacho Vegas, Nina de Juan (Morgan), Pucho (Vetusta Morla), Rozalén, Santi Balmes (Love Of Lesbian) y Xoel López. La mezcla de la canción lleva la firma de Carlos Raya, quien también se ha unido a la causa benéfica.
La canción se ha publicado acompañada de un vídeo cuyos protagonistas son profesionales sanitarios del Hospital Universitario de Fuenlabrada (Madrid), quienes actúan en representación de todo un colectivo que ha inspirado la canción. “Queríamos que ellos tuvieran protagonismo no solo como institución, sino también como profesionales individuales, personas con sus materiales de trabajo y el peso de todas estas semanas en sus rostros. Los artistas los acompañamos desde nuestras casas, observándoles y admirándoles”, apunta la banda.
Todos los beneficios económicos que genere, tanto editoriales como discográficos, serán donados a perpetuidad al Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), para contribuir en la investigación sobre el coronavirus SARS-CoV-2 que ha causado la pandemia de la enfermedad Covid-19.
Escucha la Radiografía especial con Juanma y David, pinchando la imagen:
El quinteto mexicano abre una nueva era con este single, adelanto de lo que sera su séptimo trabajo en estudio que llevara por titulo Sonidos de Karmática Resonancia que será estrenado en su totalidad a principios de 2021.
“SKR”, explora las emociones globales como el amor y la realidad las cuales se acompañan de los sonidos emblemáticos de la banda que se apoderan de la canción y hacen explotar su identidad.
“Con tus sonrisas de color, pintaba melodías en aire
Una fragancia de dolor me hizo tocar eso que era inmutable
Borré mi historial personal, con un ventilador dimensional y
Reinicié mi corazón, para ver si podía volverme a querer” SKR
La canción fue escrita por León Larregui y la producción corrió a cargo de Craig Silvey, con quien ya habían trabajado en Aztlán 2018.
Para
la grabación del track se utilizaron diferentes reverse físicos,
micrófonos especiales y equipo que solicitaron únicamente para la
realización. Además, cada integrante grabó en diferentes cabinas dentro
de Estudios Panoram en la CDMX para tener el mejor resultado del sonido
de cada instrumento logrando interconectar las cabinas y con ello
conseguir una pieza inigualable.
Previo al estreno en plataformas digitales la banda sorprendió a los
habitantes de la CDMX con la proyección del video en diferentes
edificios de la ciudad, con el fin de brindar entretenimiento y
consentir a sus fans, ya que mediante una convocatoria en redes sociales
ellos podían nominar su edificio para que la proyección se realizará.
“Sabemos que son tiempos difíciles por lo que brindar un poco de música y diversión para mejorar el estado de ánimo y que la gente pase un mejor momento nos entusiasma mucho” ZOÉ
El video corrió a cargo de León Larregui y Diego Vargas,
con quién la banda lleva trabajando casi 10 años. El video cuenta con
animación 3D en donde resalta el surrealismo con una estética especial
ya que la animación fue dibujada cuadro por cuadro y relata las
sensaciones que se van manifestando a lo largo de la vida, siempre hay
momentos difíciles, pero al final todo mejora.
Escucha la Radiografía especial con Rodrigo Guardiola
Zoé estrena SKR y Rodrigo Guardiola nos cuenta los detalles
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