Celebramos los 30 años de la obra cumbre de Soda Stereo.
Para principios de los noventa, la banda liderada por Gustavo Cerati, se encontraba en un momento de gloria, el éxito obtenido con sus trabajos anteriores, pero sobre todo la experiencia de Doble Vida, habían puesto al trió como la banda las importante del continente desde Buenos Aires hasta Norteamérica.
Canción Animal fue grabado en los Estudios Criteria en Miami, y producido prácticamente en su totalidad por los propios Soda y sus colaboradores, una importante participación en la composición y producción de Daniel Melero, con quien Cerati comenzaría a trabajar frecuentemente durante estos primeros años de la década, en tracks como Cae el Sol o la propia Canción Animal, también aparece Tweety González como teclista y apoyo fundamental de la banda, ademas de Andrea Álvarez.
El track list comenzaba con un ejercicio rítmico muy atípico en la banda como (En) El Séptimo Día y los 10 tracks se convirtieron en himnos de varios generaciones, Un Millón de Años Luz, Hombre al Agua, Te Para Tres, Entre Caníbales pero sobre todo De Música Ligera, que podría ser considerada la canción mas importante de en la historia del rock de nuestra lengua.
Y una Gira multitudinaria que recorrió de lado a lado todo el territorio llevándolos por primera vez a tocar en Europa.
(En) El Séptimo Día Un Millón De Años Luz Canción Animal 1990 Sueles Dejarme Solo De Música Ligera Hombre Al Agua Entre Caníbales Té Para 3 Cae El Sol
Sobre el proceso de producción del álbum, Daniel Melero frecuente colaborador de Soda Stereo nos cuenta:
«En un momento dado, nos estábamos quedando sin días y De Música Ligera no había terminado de ser mezclada, se había convertido en una complicación, un tema tan sencillo como ese y quedo a mi responsabilidad la mezcla final de ese tema y el Mastering del disco, y cuando el Master final llego a Argentina, el presidente de la compañía discografía le dijo a Gustavo -Mira vas a tener que mezclar todo de vuelta por que Melero te arruino el disco- Y Gustavo estuvo muy bien, y dijo que si yo lo había mandado, ese era el disco y es hermoso que me haya pasado eso, es un gesto espectacular, lo valoro todos los días.»
El proyecto colombiano alternativo con mas personalidad y mayor proyección internacional, sonidos que recorren el rap, el jazz y el soul, atravesando el funk, el rock e incluso la salsa y el boogaloo.
Tres partes conforman ‘777’, el nuevo álbum de estudio de LosPetitFellas, del cual ‘Buenos Días’, es su primer capítulo. 21 canciones integran este disco que llegará en tres entregas de 7 temas cada 7 meses comenzando con ‘Buenos Días’ en julio del 2020. “Buenos Días, como su propio nombre lo dice, es una declaración universal que busca impulsar a la gente a sacar adelante lo mejor de sus días y las cosas positivas”. Julio 2020 Luego de navegar el mar de las ideas, LosPetitFellas emprendieron una búsqueda conceptual y musical hacia lo esencial, aquello que aunque intangible se convierte en la razón por la cual pararse de la cama a diario. ‘777’ es el resultado de ese encuentro de ideas simples y cotidianas hechas rimas y ritmos, abrazando cada vez más la luz y menos la oscuridad. ‘777’ es el nombre del álbum de estudio cuyo origen es casi cabalístico y que se convirtió en un proyecto de 21 canciones que llegarán a la gente en 3 capítulos: ‘Buenos Días’, ‘A Quemarropa’ y ‘República Independiente del F*cking Goce’. En ‘Buenos Días’, la primera entrega que hacen LosPetitFellas, dejan en evidencia el resultado de 8 años de conciertos, giras y ensayos, desprendiéndose de los prejuicios y etiquetas de los géneros y buscando conectar a más personas con sus ideas. En medio de un inquietante 2020, la banda colombiana invita a quienes escuchen sus canciones a repensar en lo esencial, la fortuna y lo valioso. Es un llamado a la luz, a la tranquilidad, a que lleguen buenos días.
El álbum cuenta con colaboraciones musicales con Goyo (Chocquibtown), Apache, Lido Pimienta y Mabiland, al igual que con Mosty, Paco Ayala (Molotov) y Slow Mike en la producción de las canciones de este disco que habla de política, amor, humor, misticismo y libertad.
“Candela Muchacha” es uno de los sencillos de esta primer entrega cuyo videoclip fue rodado en Nueva York por Paloma Valencia, e hizo parte de la selección oficial del London Music Video Festival en la categoría de Surreal. Además cuenta con una versión especial en compañía de la artista Mabiland.
El décimo trabajo en la historia artística del compositor argentino, ha sido publicado por “Viento Azul”, su propio sello discográfico independiente y de autogestión. Contiene 10 canciones originales, escritas, compuestas y producidas por Lisandro Aristimuño y las participaciones especiales de Wos y Lito Vitale.
Es el primer álbum grabado y producido en su propio estudio “Viento Azul”, esto lo impulsó nuevamente a experimentar con máquinas y computadoras. La electrónica de CRIPTOGRAMA fue el puntapié de la producción artística y la realización de maquetas digitales como estructura base del álbum, para luego trasladarlas a la instrumentación orgánica y humana.
Si un CRIPTOGRAMA es un mensaje secreto escrito en clave, esta obra tiene las señales de su propia construcción, dialogando con su vida personal y con la observación de la actual forma que llevamos de comunicarnos en estos tiempos: vía celular, por mensajes, emoticones y símbolos.
Son diez canciones para su décimo álbum. Tres de las cuales llevan el número 1 como referencia al renacimiento y al inicio de una nueva etapa.
CRIPTOGRAMA
1- Levitar
2- Cosas del amor
3- Loop
4- Sombra 1
5- Nido
6- Hoy no fue ayer
7- Comen
8- Señal 1
9- Cuerpo
10- Baguala 1
Escucha la entrevista con Lisandro Aristimuño aqui:
«Creo que no hay una buena campaña que no tenga una gran música.»
Un repaso a la actualidad creativa contada por Carlos Holemans, uno de los Directores Creativos mas talentosos de España, ex Presidente del Club de Creativos, Chief Creative Officer de Deloitte Digital y ferviente seguidor de la obra de Bob Dylan.
Así como la sociedad se ha enfrentado a grandes retos, la creatividad para marcas se encuentra ante varios procesos de transformación en donde una disciplina como la música y su carácter emocional juega un papel fundamental.
Campañas clásicas como la que acompaño el lanzamiento de La Flaca de Jarabe de Palo, hasta piezas de branded content creadas para las nuevas plataformas digitales.
Hablamos con Joaquín «Kin» Martínez, presidente de la La Federación de la Música de España, director general de Esmerarte, manager de figuras tan importantes como Vetusta Morla, Xoel López o Carlos Sadness, uno de los principales responsables de destacados festivales en Galicia e impulsor de importantes iniciativas culturales en Iberoamérica.
La Federación de la Música de España, es la entidad que representa y promueve los intereses colectivos del sector de la música de España.
Desde comienzos de año las 9 asociaciones principales de la industria musical se juntaron para atender y focalizarse para conseguir la consolidación y regulación de un sector fundamental para la economía del país.
Los 4 objetivos fundamentales de la federación son:
1- Las Normativas laborales y convenios colectivos para los profesionales del sector.
2- La parte de educación y formación: carreras universitarias para fomentar la bolsa de trabajo para profesionales cualificados.
3- La adaptación fiscal y categorización de impuestos para los artistas y sus equipos en periodos de ejercicios naturales sino en ejercicios creativos
4- el reconocimiento como sector estratégico para dinamizar otros sectores como el turismo, la logística, el transporte o la restauración, entre otros
Por ultimo plan de desarrollo del talento, no solo introducirlo, sino un plan de consolidación, mercado común y la internacionalización del talento.
Miembros
ACCES
Asociación Estatal de Salas de Música en Directo
AEDEM
Asociación Española de Editores de Música
AIE
Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España
APM
Asociación de Promotores Musicales
ARTE
Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo
El quinteto mexicano sigue sumando adelantos de lo que será su séptimo trabajo en estudio.
«Divergencia», es la nueva canción de la banda, la quinta desde otoño pasado, cuando irrumpieron con la energética “Relámpago”, que fue seguida por “Secuaz”, “Siempre Tu” y “La Batalla” que, junto con otros temas que están componiendo y grabando en estos meses, serán parte del nuevo álbum que se lanzará a finales de año.
El nuevo single, compuesto y grabado entre enero y febrero, incita a no dejar de bailar nunca, dentro de la adversidad.
Así es Divergencia según su autor:
«Es un tema que habla de optar por divergir hacia un camino de alegría mientras uno anda por el camino de la angustia. Musicalmente involucra sonidos de sintetizadores que evocan una época de tiempos mejores, con una melodía vocal nostálgica, para que de pronto se torne la música en un ritmo alegre. Además de los elementos musicales ya mencionados, los otros instrumentos que participan son: una batería con tintes de sonido de videojuego, un bajo punteado estilo punk de los 70s y una guitarra que da leads armonizados y crujientes al estilo “Cuando estoy con él”, tema de Janette. La melodía, a pesar de que se encuentra en una atmósfera melancólica, siempre busca alegría, lo cual le da cierre al círculo conceptual del tema; el poder de escoger el camino de la buena actitud, no importando la circunstancia”.
Recientemente Enjambre también presento una re-lectura de Tercer Tipo en donde comparten junto a Lori Meyers.
Escucha la entrevista con Luis Humberto, vocalista de Enjambre aquí:
Hablamos con el compositor y multi-instrumentista, desde su casa en Valmiñor y nos contó, detalles sobre su reciente cotidianidad en aislamiento y su actualidad musical.
El pasado mes de diciembre Iván terminó la gira de Casa, su mas reciente trabajo en estudio y también había estado defendiendo en directo Cena Recalentada, su re-lectura de Golpes Bajos.
Ademas se publico una caja recopilatoria titulada 15 Años entre Canciones para el Tiempo y la Distancia, que incluye grabaciones de toda su etapa como solista, colaboraciones y versiones alternativas.
Ahora se encuentra compaginando osciladores, módulos sintéticos y su nueva afición por la agricultura para sembrar las semillas de lo que sera un nuevo álbum.
Tras su primera experiencia como padre hace mas de una década el músico y compositor colombiano Daniel Roa tuvo una gran idea, componiendo melodías infantiles personalizadas con una producción fresca e historias sencillas donde el nombre de cada niño pudiese ser el protagonista de cada canción, así nació el proyecto La Totuga que cuenta en la actualidad con 4 volúmenes haciendo que padres e hijos puedan compartir y disfrutar la música.
Mas adelante junto a Camila Rivera y Tatiana Samper se unieron con el propósito de inspirar el despertar de conciencia y reconexión con la vida a través de la música. De esta manera estrenaron su nuestro primer disco “Un Bosque Encantado” en el 2011 y en noviembre de 2017 un segundo volumen titulado “Un Bosque Encantado 2”, que fue nominado en 2018 a los Latin Grammys.
En abril de 2018 presentaron el libro: “Un Bosque Encantado y el Misterio del Agua” con una historia llena de mensajes que hila las 9 canciones de su primer disco. En junio de 2018 lanzaron también una serie para televisión con el mismo nombre, en coproducción con Canal Trece.
Hace tan solo unos días publicaron Todo Esta Bien, una grabación que sucedió en la distancia durante las primeras dos semanas de cuarentena y que cuenta con un video donde contaron con la colaboración de varios músicos y familias.
La dupla de compositores han publicado un disco de canciones artesanas, sin complejos, sincero y marcado totalmente por la R que R de Rock & Roll.
Lo que empezó como una gira se consolida como unión artística. El origen de la aventura se produjo en el Sonorama Ribera del pasado agosto, cuando ambos decidieron unir fuerzas. Dos barceloneses crecidos en Madrid pero con muchas otras cosas en común se pusieron a trabajar hombro con hombro, después de presentar en los últimos tiempos nuevos álbumes en sus respectivas carreras. En el caso de Rubén, Habrá que vivir (2017), un disco de puro rock de guitarras afiladas y estribillos burbujeantes, y en el de Lichis, Mariposas & Torneos de Verano (2018).
El músico, cantante y compositor Rubén Pozo se dio a conocer con Buenas Noches Rose, banda de la que saltó a Pereza con Leiva. Su carrera en solitario ha dado ya como fruto un total de tres álbumes. Entre tanto Lichis, es un versátil compositor, letrista, productor y multiinstrumentista que formó parte de grupos como Way May, Montana o Maleza. Después creó La Cabra Mecánica, para emprender después su carrera en solitario o integrarse en el grupo La Pandilla Voladora. En 2007 funda Troublemakers Blues Review con la intención de profundizar en la música que le apasiona, el blues, con la que se inició como bajista a finales de los ochenta.
TRACK BY TRACK (Por Lichis):
Mesa para dos:
Primera canción que compusimos para el disco, supongo que una
declaración de intenciones. Escribí la música, la primera estrofa y el
estribillo y Rubén aportó su visión en la segunda estrofa haciendo el
mensaje conjunto. Canción de medio tiempo de Rock Americano clásico, por
allí anda el espíritu de Petty, Traveling Wilburys o Jayhawks.
Trompas de Eustaquio: Un tema en un bucle de acordes casi constante que va creciendo en intensidad hasta el final, un toque entre rock y gospel cañí. Tema escrito por Rubén con unas imágenes muy personales y potentes. Tras grabar los coros, y aprovechando que Rubén no andaba aquel día por el estudio, grabamos un solo de Trompa al final del tema. Lo encajó bien. Es una de las canciones más coreadas en directo.
Loquillo: Mientras la escribía, Rubén me mostró unos versos que había escrito durante una noche de insomnio: «No escribo una mierda o lo hago… ya no soy poeta tengo sueño a las 5». Se los fusilé. Completé después la canción tras dos meses buscando algunos acordes de paso. Un tema Soul con vientos aportando un toque cool, una reflexión sobre la masculinidad y la confianza en uno mismo. Parece que al «Loco» le pareció bien, o no del todo mal.
Canción Maldita: Canción de Rubén a la que dimos mil y una vueltas. Tomamos la melodía y la montamos sobre un viejo rifle de guitarra que R guardaba desde hacía muchos años. Utilizamos un recurso para probar ideas que nos ha funcionado muy bien: Rubén a la guitarra y yo a la batería. Grabamos después una versión bastante troglodita y posteriormente se hizo la definitiva más stoniana con toques glam.
Nudo Sur: Reivindicación de la working class de nuestras periferias. Rubén me sugirió un par de imágenes muy potentes con las que completé la letra: las casas de apuestas y la realidad social ajena al los turistas y a la imagen que se vende de Madrid. La veo como una canción enérgica de Power Pop. La escribí inspirándome en mis habituales viajes en cercanías y en un artículo que leí en un periódico en el que se defendía la dignidad del llamado fenómeno “Choni”.
El Batiscafo Verde: Rubén es un enamorado del reggae. Con sus toques rock, su soterrado homenaje a Jacques Cousteau y sus imágenes surrealistas, es una canción relajada y divertida. Otra muestra de la maestría de R para encontrar esas imágenes tan poderosas y personales. Sus toques de guitarra con wha tienen un delicioso saborcillo a J.J. Cale, al menos eso creo. Si no es así espero que me perdone.
Rock de Pueblo: La escribí con el paisaje en movimiento y el zumbido del aire de una ventanilla del coche a lo largo de la centena viajes para actuar que hemos hecho mientras grabábamos el disco. La idea del estribillo me llegó viendo una actuación de Poncho K con el que compartimos escenario en un festival en un pueblo de Andalucía. Rubén escribió la estrofa que interpreta en la canción, siempre aportando clase y acento clave donde se necesita. Un canto a la sencillez y a aquellas cosas que forman parte de nosotros aunque a veces las neguemos para dar una imagen más «sofisticada», algo muy en boga.
Asco y Vergüenza: Una de las primeras canciones que me enseñó Rubén. Un año más tarde la trajo de vuelta, esta vez al piano. Me senté a la batería y le dimos forma a dúo. Tiene ese toque Beatles cuando a Macca le daba por la comedia musical y está sazonada con unos coros que homenajean al Pop español de los años 60. ¿Quién no ha vivido sensaciones parecidas a las que se cuentan en la letra tras una noche de juerga y excesos a tumba abierta?.
RUBÉN POZO:
“Es evidente que esto no lo lee nadie. Y es normal, yo tampoco lo haría. O se escucha algo o no se escucha… ya no te digo leerse la nota de prensa. Siempre dan un poco de vergüenza. Sobre todo si están escritas por la misma persona que ha confeccionado ese trabajo. Y más aún si, (oh dioses), esta lo ha redactado en tercera persona…
Aquí tienes dos años intensos de trabajo en carretera y estudio. Se trataba de hacer el mejor disco posible por encima de cualquier otra consideración.
Dale un minuto a cada tema y, entre pitos y flautas, en un cuarto de hora estarás preparado para dar tu opinión. Pero si en un descuido empiezan a sonar canciones enteras entonces… (¡oh dioses!), lo habremos conseguido. Porque en eso consiste nuestro trabajo: conseguir que, independientemente de lo que dure una canción, mientras suena, el tiempo desaparezca.”
LICHIS:
“Nuestra única intención con este disco era disfrutar del proceso y dejar una colección de canciones para nuestros nietos. Si además hemos conseguido captar tu atención y formar parte de un ratito de tu vida ya nos haces doblemente felices.Gracias de todo corazón.”
El videoclip de Tigre de Bengala es el viaje de Xoel por la imaginación desbordante que recorre la letra de la canción y que llena de frescura, ritmos bailongos e imágenes oníricas un universo tanto real como animado, tanto casero como colorido. Una manera de proponer cómo ampliar nuestra realidad más allá del confinamiento desde el juego, la alegría y la belleza.
Este es el reducido equipo de personas que han creado este videoclip: el ilustrador y animador Pedro Perles, en la postproducción y rodaje Esteban Perles, la directora Maral Kekejian y el cantante Xoel López.
Esa variedadestilística plasmada en tres canciones tan diversas como Alma de oro, Joana y Tigre de Bengala es una de las características de esta nueva etapa, en la que Xoel se adentra tras cerrar con “Sueños y Pan” (2017) una suerte de trilogía iniciada en 2012 con “Atlántico” y continuada tres años más tarde con “Paramales”.
Frente a la autoría exclusiva que presentaban esos tres trabajos, en el nuevo álbum Xoel comparte la responsabilidad creativa con el joven compositor David Quinzán, del mismo modo que cede los mandos de una producción que venía ejerciendo en primera persona. Son algunas de las novedades de un artista pese a todo perfectamente identificable, gracias a ese timbre vocal distintivo y privilegiado y a su forma tan personal de afrontar las canciones.
Esta página utiliza cookies para aportarte una mejor experiencia de navegación. Si continúas navegando, consideramos que aceptas su uso. AceptarVer +
Cookies & cream
Privacy Overview
This website uses cookies to improve your experience while you navigate through the website. Out of these cookies, the cookies that are categorized as necessary are stored on your browser as they are as essential for the working of basic functionalities of the website. We also use third-party cookies that help us analyze and understand how you use this website. These cookies will be stored in your browser only with your consent. You also have the option to opt-out of these cookies. But opting out of some of these cookies may have an effect on your browsing experience.
Necessary cookies are absolutely essential for the website to function properly. This category only includes cookies that ensures basic functionalities and security features of the website. These cookies do not store any personal information.
