Sarria es una de las grandes promesas del Pop Rock español. Con tan solo 20 años el malagueño ya estaba recorriendo el mundo junto a Los Labios, banda sevillana donde triunfó como guitarra rítmica y segundas voces tras la marcha de Álvaro Suite, también guitarrista de Bunbury.
De su compromiso y pasión hacia la música, Nacho ha ido construyendo un aura sonora que se refleja a la perfección en su primer disco en solitario. Un álbum autobiográfico, atmosférico y atemporal que se titula como él mismo, Sarria, y donde el malagueño deja latente su extrema sensibilidad y su exquisito gusto musical.
La voz de Nacho es el vehículo perfecto para narrar su propia novela vital a través de sonidos inspirados en el rock más clásico de bandas como The Doors o Pink Floyd y el contemporáneo de bandas como Parcels o Wilco. Las reminiscencias zeppelinianas también tienen cabida en la parte más acústica del álbum. Aunque son los aires de folk y de soul los que dan lugar a una amalgama de influencias que aportan una enorme personalidad.
Talento y autenticidad son las dos palabras que mejor definen a este músico nacido para revitalizar el rock de los sesenta y setenta en un contexto moderno, sin olvidar el blues primigenio, las influencias andaluzas y las atmósferas psicodélicas, Sarria redescubre un mundo de sonidos a través de su amplio bagaje cultural.
El Mundo es Cruel (pero creo en él) es un álbum de rock español sólido y renovador al que el propio artista autodefine como “Rock Retrofuturista”. Este ha nacido con la única intención de darle una bocanada de aire fresco al propio género musical bebiendo de influencias de las grandes bandas del pop y rock de los años 60 y 70 pero a su vez tomando como referencia el relevo generacional de la nueva ola de bandas como Parcels o The Lemon Twigs.
El Mundo es Cruel (pero creo en él) está editado por el sello Esmerarte y lo ha producido Paco Loco (Bunbury, Mikel Erentxun) en su estudio del Puerto de Santa María. La mezcla ha corrido a cargo de John Agnello (Patti Smith, Kurt Vile) y el mastering se ha realizado en los emblemáticos estudios Sterling Sound (John Lennon, Bruce Springsteen, Ramones).
Escucha la Radiografía especial con Nacho Sarria aquí:
ntrevista especial con Chema Leon, Director General Creativo de Design Bridge & Partners en Madrid.
Con más de 20 años de experiencia, Chema ha desarrollado su carrera en Europa, América Latina y EE.UU. en algunas de las consultoras de marca líderes internacionales, como Addison, Interbrand y Landor & Fitch.
Extremadamente apasionado por el Branding, Chema ha trabajado en multitud de sectores y proyectos con importantes clientes como Microsoft, P&G, Iberia, Kyndryl, Citi, Bayer, BAT, Coca Cola, Axa, Diageo y PepsiCo, entre otros.
En este episodio hablamos sobre: La importancia del sonido para el diseño de las marcas, las estrategia musicales y como las marcas se pueden transformar gracias a la música y el sonido.
Piensa en Música
El Valor de Marca, el Sonido y la Estrategia Musical
En 2024 tienen previsto viajar a Europa y en España han confirmado ya su participación en el Festival Vive Latino.
Enjambre presenta su nuevo álbum “Noches de Salón”, una exquisita experiencia de la música del ayer, del ahora y del mañana en audio, video. Un concepto inolvidable lleno de magia y elegancia, en el que revisten e inspiran sus canciones en aquellos ritmos latinoamericanos de antaño (como el danzón, el bolero y el son cubano) que amenizaban los Bailes de Salón en los años 40’s y 50’s.
“Noches De Salón” ha sido grabado en vivo en el emblemático Salón Los Ángeles con 8 músicos que los acompañan en escena y en donde los invitados del público fueron fans de la banda que participaron en una selección para formar parte de esta grabación.
“Somos Ajenos (Noches De Salón)” es el cuarto sencillo de este nuevo y 8vo álbum en la carrera musical de Enjambre. Este es uno de los temas más queridos por sus fans (top 5 de las canciones más escuchadas de Enjambre) con más de 150 millones de reproducciones en plataformas digitales. En su versión Noches De Salón, su nuevo arreglo la hace rica, fresca e ideal para ser el tema que presente este nuevo álbum concepto. Con toques cálidos de una bossa nova y otros ritmos latinoamericanos que transportan a otra época, más la inconfundible interpretación a voz de Luis Humberto Navejas.
La banda procedente de Fresnillo, Zacatecas, esta recorriendo -desde el pasado mes de septiembre- las principales ciudades de México con la Gira Noches De Salón de 19 fechas que incluye dos noches sold out en el emblemático Auditorio Nacional y sumando 30 fechas en total llegando a Estados Unidos, Perú y Uruguay.
Hablamos con el multi instrumentista Pedro Bonfim, compositor y vocalista de Lolabúm, una agrupación ecuatoriana con diez años de trayectoria, que debutará en el Festival Estéreo Picnic de Bogotá el próximo mes de marzo, uno de los pocos sonidos de América del Sur que estará presente en este icónico festival.
“La música de Ecuador siempre se ha pasado por alto y es un trauma que tenemos”, dice el artista, quien nos cuenta más sobre la movida independiente ecuatoriana desde hace un par de décadas y la importancia de estar en un país que no figuraba en los Grammy o en MTV.
Este año para celebrar su 10a edición, el Inverfest 2024 amplia su oferta y se expande por diversos sonidos y salas de Madrid, con una programación de 120 conciertos repartidos en 12 diferentes espacios.
Entre los shows destacados se encuentra el regreso de Iván Ferreiro al Wizink Center, un doblete de Sidonie en La Riviera, Christina Rosenvinge estrenando su nuevo álbum en The Music Station, Los Zigarros por partida doble, la vuelta a los escenarios de Tarque con su 2o álbum solista, Ariel Rot celebrando los 25 años de su emblemático Hablando Solo en la Sala La Paqui, nuevos talentos emergentes como Flecha Valona en la Sala Sircoco, e incluso la chilena Ana Tojoux y los mexicanos Austin TV pondrán el sabor latino alternativo a la programación.
Revive las mejores entrevistas con los protagonistas del Inverfest 2024
Austin TV es una de las bandas más importantes de rock en Iberoamérica, aún siendo una banda instrumental, tienen mucho que decir. Usando máscaras concepto de sus discos, dan vida a su statement «Tu Cara No Importa, Importas Tú». Después de 10 años de pausa deciden regresar en 2022 con nueva música y con un contundente regreso a los escenarios. Su mensaje ha marcado a más de una generación, han realizado más de 1200 shows, 5 producciones discográficas y con 21 años de trayectoria, han logrado llevar la bandera de la independencia a nuevos horizontes.
Se han presentado en países como Colombia, Guatemala, El Salvador, Costa Rica, España, Inglaterra, y en recintos importantes de la Ciudad de México cómo el Teatro de la Ciudad, El Plaza Condesa y Teatro Metropolitan.
Su disco icónico “Fontana Bella” fue producido por Emmanuel del Real (Meme), lanzado en 2007 en su presentación del Festival Vive Latino con un libro ilustrado.
Después de 10 años de pausa, anunciaron su primera presentación de regreso, haciendo Sold Out en tan sólo 3 minutos en el Foro Indie Rocks.
En 2023 regresaron con un nuevo álbum de larga duración llamado «Rizoma», cuenta con 9 piezas instrumentales grabadas totalmente en vivo en Estudios Noviembre, en la Ciudad de México.
40.000 personas presenciaron el regreso de Austin TV a los escenarios como uno de los actos principales del Vive Latino 2023, el festival más importante de América Latina.
La banda estará de gira por Europa a principios de 2024
La música es capaz de transformar marcas, negocios y consumos.
El reto consiste en generar estructuras sonoras sólidas, coherentes, consistentes y relevantes para las marcas. Siempre trabajando de la mano con el cliente, sus agencias, sus departamentos creativos y sus responsables de marca para establecer una relación fluida y de confianza. Todo es bastante polivalente y lleno de matices, aunque lo que más se destaca es cumplir el papel de ser traductor entre los valores de una marca, la narrativa de una campaña publicitaria y asignarle una relación directa con música y sonido.
Aquí varios ejemplos memorables:
Quiereteme – El Corte Ingles (Música Original Pablo Parser)
Toys R Us Navidad 2019 (Musica Original – Javier Calequi)
Magnum 30th Aniversary – Jack White
Coca Cola Distances – Mid Europe / Reversión Bring It on Home to Me
(Pablo Parser / Carlos Tarque, Supervisión Musical: Jaime Nieto)
Lanzamiento Bizum – Pay You, Pay Me / Reversión Say You, Say Me
Marilia Monzón presenta un álbum de debut formado por una decena de canciones que beben del pop y del folk tanto de su tierra natal, Canarias, como de la península y de buena parte de latinoamérica. Producido por Juanma Latorre (compositor, guitarrista y teclista de Vetusta Morla) entre Gárate Studios (Andoáin), Estudio Uno (Colmenar Viejo) y Estudio Silencio (Madrid), el disco ha sido masterizado en México por el ganador de un Latin Grammy, Nacho Sotelo (Carla Morrison, Mon Laferte).
Marilia desprende dulzura a través de una voz única acompañada de unos músicos excepcionales: Adrián Seijas (Xoel López), Pablo Seijas (Neno) y el propio Juanma Latorre. Con ellos, esta jóven cantautora ha firmado diez temas cautivadores que sorprenderán por lo ecléctico de su propuesta y su amplitud de miras. Su música, caracterizada por su sencillez y belleza, otorga cualidades sanadoras a melodías que carecen de artificio. Tras su paso por Operación Triunfo en 2018, Marilia comenzó una carrera como cantautora independiente con un repertorio repleto de delicadas canciones como ‘Trazando Rutas’, ‘La vida empieza aquí’, ‘Cruzando el charco’ o ‘Tabaibas’.
Su anterior EP ‘La Realidad’ tuvo una gran acogida por parte de la crítica y el público. Producido por el hispano-argentino Juan Ibáñez, y mezclado por el mexicano Eduardo del Águila, ganador de 5 Grammys, el trabajo se divide en tres actos tremendamente intimistas: ‘La Marea’, ‘La Realidad’ y ‘La Partida’.
Con el lanzamiento de su álbum debut, ‘Prenderé Una Velita’, la artista canaria comenzará en 2024 una gira que le llevará a actuar en las principales ciudades de España, la FIL de Guadalajara en México y el festival Portamérica en Galicia.
Marilia Monzón presentará Prenderé una velita en directo en una gira que le llevará por las principales ciudades de España el próximo año. A la primera fecha anunciada, el 22 de febrero en la sala Galileo Galilei de Madrid, se suman hoy tres nuevas citas enmarcadas en la programación del ciclo Sur Circuit: el 4, 5 y 6 de abril en Granada, Sevilla y Málaga respectivamente. La artista canaria, además, ha sido seleccionada para actuar en el circuito Girando Por Salas, cuyas fechas se anunciarán próximamente.
Nacida en Sunchales, provincia de Santa Fe, pero instalada en Buenos Aires a los 18 años, desde pequeña la música representó su único lenguaje para expresar emociones. Encerrada en su cuarto, en soledad, encontró refugio de un mundo que no entendía y le resultaba hostil. Allí aprendió a tocar la guitarra, el piano y a cantar a su tiempo y manera.
Una autodidacta por naturaleza, Marilina aprendió a medida que lo necesitó, y en los tiempos y formas que se amoldaba a su mundo; nunca fue como nadie y nunca lo será.
Su mas reciente álbum se titula Mojigata y acaba de estrenar Lá Lá su nuevo single
Hablamos con Marilina Bertoldi durante en Bogotá durante su paso por Rock al Parque 2023.
Calequi y las Panteras son el mayor secreto a voces surgido en Madrid en el último año. El autor, productor y multi-instrumentista, Javier Calequi, ha decidido darlo todo en su proyecto personal: Calequi y las Panteras, junto a Lauri Revuelta y Luisa Corral (Las Panteras).
Sus dos primeros Ep’s, “El Pacífico Furioso” y “El Demonio de Labios rojos”, y el primer LP “Gualicho” (2021, autoproducido) es una declaración del mundo al que nos invita a atravesar Calequi. Apoyándose en el peso vocal, genera un cóctel explosivo de funky, cumbia y rock, que logra aunar al Prince más bailable, al Beck más experimental y al groove latino de Bola de Nieve y Rubén Blades.
El argentino estrena esta colección de canciones titulada Mezcla Rica, un excelso viaje por América repleto de colaboraciones de músicos internacionales de altura como Xoel López, Lido Pimienta, Kevin Johansen, Myriam Letrce y muchos más. El disco está concebido como obra conceptual, no una suma de canciones, y con sus trece cortes nos invita a viajar, a la ensoñación y, por supuesto, ¡a bailar! para no dejar indemnes ni los pies, ni el corazón de quien lo escuche.
Un homenaje a 13 ciudades y sus sonoridades: San Juan, Medellín, Montevideo, San Jose de Costa Rica, Rio de Janerio, Sao Pablo, Santo Domingo Ciudad de México, Asunción, Santiago de Chile, Lima, New York y Buenos Aires hacen parte de este recorrido musical que nos proponen Calequi junto a sus Panteras.
Track list:
1. San Juan y Medellín (Javier Calequi y Lido Pimienta). Feat: Lido Pimienta
Un arranque dispuesto a noquear al oyente. Con el genuino olor a la calle y la gente de las ciudades que homenajea, se define como una canción claramente “calequiana” pues busca la mezcla: del sonido urbano, a la cumbia y, en ese juego, la genial intervención de Lido, que aporta, con su letra y melodía, la rima y el acento de la Colombia más arrabalera, en la que cala un mensaje reivindicativo: el baile es el territorio donde me voy a reencarnar!
2. Una Ciudad de Cristal (Montevideo) (Javier Calequi, Jorge Drexler, Pedro Mairal). Feat: Jorge Drexler, Facundo Balta y Niña Lobo.
Vio la luz, como segundo single de adelanto, el 5 de octubre y no ha dejado de crecer desde su estreno. Navega sobre un riff de guitarra inusual la dota de personalidad inequívoca; una construcción armónica rica y compleja pero que, al escucharse, suena sencilla; una dinámica que logra que te dejes llevar y desear que no acabe; una evolución melódica que sorprende; una letra cautivadora (de Pedro Mairal), que finaliza en un «obstinato» de belleza magistral (de Jorge Drexler); y la participación de las voces de otros grandes artistas (Facundo Balta y Niña Lobo) que generan un mosaico perfecto en un todo de casi 4 minutos de duración. Estos ingredientes hacen que suene embelesadora y que consiga mantenerse
en tu memoria como una llamada al lugar seguro de tu inconsciente. Una de las canciones de año.
3. La Hora Tica (San José de Costa Rica) (Javier Calequi).
Un estribillo sólo al alcance de grandes músicos. Los vientos y el ritmo en “La hora Tica” (un tiempo indefinido para los costarricenses) nos invitan a saborear el Caribe, el sol y la arena en la provincia de Limón, de donde era el genial compositor de Calypsos, Leo Walter Ferguson, recientemente fallecido y a quién también rinde homenaje la canción.
4. Doesn’t Make you Happy That I ́d Love You (NY) (Javier Calequi, Clippers, Sony). Feat: Kevin Johansen, Gaby Moreno, Luisa Corral, Oh Matov.
¿Quién dijo que lo sencillo no es hermoso? Solo voces y una discreta guitarra como base construyen una canción que al escucharla suena a un clásico de Van Morrison cantado por Tom Waits y Dolly Parton. Para esa artillería hacían falta invitados de alto octanaje: Kevin y Gaby, Luisa Pantera y Oh Matov, construyen un juego de armonías que hacen de este homenaje a la gran manzana una canción imperecedera.
5. Rua Almirante Alexandrino (Río de Janeiro) (Javier Calequi, Ugo Ceria). Feat: João Cavalcanti
Situada en uno de los montes que circundan Río, en el bellísimo barrio de Santa Teresa, se encuentra la Rua Almirante Alexandrino. Tan exultante como su ubicación es la belleza de esta canción. Para el texto de Ugo Cería, Javier plantea una atmósfera contenida que nos invita a un paseo sin prisa, con el objeto de observar y la finalidad de embelesarte. La voz de João cautiva y enamora y los arreglos electrónicos consiguen aumentar la sensación de ensoñación. Magnifica, simplemente.
6. Sin Control (Ciudad de México) (Javier Calequi)
Una canción casi folclórica, fronteriza, pequeña, recogida y susurrada, para hablar de una urbe inabarcable y descontrolada, que posee contrastes que la hacen única: la magnificencia de la naturaleza, el ferreo carácter de un pueblo orgulloso, la grandiosidad de la cultura de las civilizaciones prehispánicas o la influencia geopolítica. De todo eso cuenta “Sin Control”.
7. Bailando en Sampa (São Paulo) (Javier Calequi, Helena Papini, Sebastián Piraces, Mateo Piraces, Juliana Strassacapa). Main Artist: Francisco el Hombre
¡Qué gran acierto fue invitar a Francisco el Hombre en esta canción! Primer single adelanto del disco, editada el 5 de septiembre, está repleta de guiños y detalles que nos invitan a bailar desde su arranque. Hay samba y bossa sobre una cama de brasses en donde la letra de Javier hace que, de una, se respire el enamoramiento por la macrociudad.
8. Noche del Paraguay (Asunción) (Javier Calequi, Pedro Mairal). Feat: Miryam Latrece.
Una hermosa poesía de Pedro Mairal, pone letra a una guarania, el cautivador tributo de Javier a la capital del Paraguay y una de las joyas escondidas de “Mezcla Rica”. Junto a la voz de Javier, la de Myriam Latrece, que aporta una calidez añeja, sublimando su aire de romance eterno.
9. Siempre Vuelvo a Tus Ojos (Santiago de Chile) (Javier Calequi)
Otra vuelta de tuerca estilística para rendir tributo a la capital chilena. Para la estrofa, un verso rapeado y urbano sobre unas líneas simples de percusión y bajo que, como un río, desemboca en un estribillo de amplitud armónica y vocal, con arreglos de producción que ahondan en su caracter agridulce.
10. Ke Lo Ke (Santo Domingo) (Javier Calequi). Main Artist: Xoel López.
Y llega la revolución. Un perico ripiao dominicano con un aire de flores y color desmesurados que te atrapa y te disloca la cadera. Un ritmo vertiginoso, brasses que utilizan toda la paleta armónica, las exuberantes voces de Las Panteras incitando al delirio y la impagable maestría de Xoel aportando el timbre y la lírica diferenciales… ¿Ke lo ke?: Calequi!
11. Tu Boca de Lima (Javier Calequi, Lorena Blume). Main Artist: Lorena Blume.
Cambio de registro para homenajear a una ciudad convertida en amante. Javier nos propone un corte de tinte indie, con una letra de gran belleza que ahonda en su virtud de gran letrista. Su pareja en este baile es la dulce voz de Lorena y ambos logran emanar ensoñación y arañar los sentidos, con el Pacifico de fondo, visto desde Barranco.
12. Y Yo Pensaba Olvidarte (Buenos Aires) (Javier Calequi, Pedro Mairal).
De nuevo Pedro ilumina los versos de esta última perla que nos regala Javier. Un broche íntimo para la ciudad que lo vio nacer y marchar, una declaración de desamor que es amor, de queja que es elogio y de rechazo que es regreso. Como dijo Sábato “Cuando la dureza y el furor de Buenos Aires, hacen sentir más la soledad, salgo a caminar por esos barrios”.
Calequi y las Panteras son:
Javier Calequi: voz principal y guitarra / Luisa Corral: voz / Laura G. Revuelta: voz —–
Créditos
Vocals y coros: Javier Calequi y Las Panteras (Luisa Corral y Laura G Revuelta) Guitarras: Calequi, excepto en «Siempre vuelvo a tus ojos (Santiago de Chile)», Niqo Nieto Vientos: Philipe Lassiter, Lisandro Mansilla, Roberto Elekes, Juanlu de la Torre, Alberto Guio Bajos y Bajo Synth: Calequi, excepto en «Bailando en Sampa», Helena Papini (Francisco el Hombre) Sintetizadores: Calequi Percusión: Gala Celia Percusión 2: Michael Olivera Batería y Percusión: Borja Barrueta Batería y Percusión adicional: Adrián Seijas. Leona en «Sin control (Ciudad de México)»: Joel Castellano —– Producido por Javier Calequi y Lucas Piedra Cueva Mix: Lucas Piedra Cueva Mastering: Ultramarinos
Escucha la Radiografía especial con Javier Calequi:
El amor de Andrea, producida por La Loma Blanca,LAZONA y Nephilim, es la segunda colaboración de Vetusta Morla con el director Manuel Martín Cuenca en la creación de una BSO trasLa Hija, que les valió una nominación a Mejor Música Original en los Premios Feroz.
Este 19 de octubre se publicó la canción original: El amor de Andrea, compuesta e interpretada junto a la recién nominada a los Latin GrammyValeria Castro.
Vetusta Morla, que no solo han compuesto el tema principal, sino que también se han hecho cargo de la Banda Sonora Original de la película, han reflexionado sobre el trabajo de composición de la música de El Amor de Andrea:
Como una flor que se deshoja al revés, lo primero que compusimos para la película fue la canción principal El amor de Andrea. Desde ahí fuimos desgranando los pasajes que iban a acompañar a Andrea en su relación con el mundo y descubrimos que la música debía estar presente solo en las escenas en las que la niña soñaba y construía las fronteras de su propio mundo. La mirada femenina tenía tanto peso en la película que nos parecía casi obligado invitar a una voz femenina a llevar las riendas de la canción. Y fue Valeria Castro nuestra mejor compañera posible. Ella supo entender el universo que pedía la película desde el primer momento y nos ayudó a terminar de darle forma a una canción que creció y fue volando tras su aportación.
En palabras del director, Martín Cuenca, el tema principal, El amor de Andrea, supone «el corazón y la médula de la protagonista» y es que, para crear este tema, así como la banda sonora de la película, Vetusta Morla utilizó aquellos ingredientes que acompañan a Andrea en su lucha iniciática como son el sobrecogimiento de la música de Semana Santa o la alegría y acidez de las chirigotas, comparsas y murgas.
La banda viajó a Cádiz durante el rodaje de la cinta y además de lo que pudieron ver y escuchar, descubrieron que «en Cádiz sobrevolaba algo que iba más allá de sus paredes y tenía que ver con sus historias, las de ida y vuelta al otro lado del Océano, con el imaginario de lo que está más allá de sus callejuelas y su Caleta» y así lo reflejan tanto en la letra y música de este tema principal como en la BSO de la película.
En cuanto a los instrumentos utilizados, con todo lo absorbido durante la lectura de guion y todo lo que rodeó el rodaje, Vetusta Morla decidió que para la banda sonora utilizaría instrumentos no amplificables, dejando el terreno de las cuerdas para instrumentos acústicos de poco tamaño y escala corta y el de la percusión para golpes y sonidos extraídos de la propia película: las horquillas de Semana Santa, percusión en ventanas y escaleras, tamboras, bombos verticales o panderetas. Después complementamos esa tímbrica esencialista con los sonidos de los vientos madera, instrumentos que tienen la inaudita capacidad de aunar en su carácter la procesión sacra y el desfile carnavalesco, la taberna y el altar.El amor de Andrea, la historia de una joven que quiere recuperar el amor de su padre, llegará a los cines de España el 24 de noviembre de la mano de FILMAX.
El vínculo de Vetusta Morla con el cine va más allá de estas últimas colaboraciones: Guille Galván compuso La Apuesta, la canción original de la película ¿Qué te juegas?, dirigida por Inés de León. Por otro lado, Juanma Latorre ha compuesto la Banda Sonora Original de Teresa, la nueva película de Paula Ortiz. Además, Pucho, vocalista de la banda, ha formado parte del jurado de festivales como el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, FilMadrid o el Festival Internacional de Cine de Gijón. David el Indio ha impulsado Gipsy Power, la BSO del cine quinqui, un recopilatorio con textos de José Manuel Gómez “Gufi”.
Sin importar el mes del año en el que se haga Rock al Parque, la lluvia ha sido una de sus fieles acompañantes. Fuera en mayo, julio, octubre o noviembre, parecía imposible evadir el mal clima, como si el festival tuviera un imán para atraerlo. Solo de vez en cuando los rayos del sol iluminaron el Parque Simón Bolívar en las más recientes ediciones del festival, acostumbrando al público a llevar siempre el vestuario para soportar horas seguidas de agua.
El pasado Rock al Parque fue la excepción. Los chilenos de Los Jaivas aterrizaron en una soleada Bogotá, sin creer que los días anteriores el agua había provocado estragos en la ciudad. Ante los asistentes al Teatro Jorge Eliécer Gaitán, brindaron un emotivo recital. “Es el mejor concierto que hemos hecho en Colombia”, dijo bromeando Mario Mutis, uno de los integrantes originales del grupo, ante una sala llena de chilenos y colombianos que lo habían esperado por décadas, tras 60 años de trayectoria sin haber pisado el país.
Los días pasaron y el sol se mantuvo. Desde el sábado y durante el puente festivo, entrar al Parque Simón Bolívar parecía un viaje en el tiempo, cuando el calor sofocaba a los asistentes de camisa negra en las primeras ediciones del festival, en los años 90.
El primer día, no parecieron ser tantos los metaleros asistentes como en los años anteriores, ni los mismos. Las hipótesis lanzadas por los expertos en el género musical son que este año no hubo tanto black ni death metal y el grupo más reconocido que debutaba era In Flames de Suecia que, en su momento, los noventa, conquistó oídos de un público más amplio y menos radical, menos vestido de negro. Por eso, faltaron los fanáticos del metal más extremo.
Los otros dos días evocaron también las viejas épocas. El sonido aún por pulir de algunas de las agrupaciones distritales, más los clásicos del ska latinoamericano que solían convocar a las multitudes y las propuestas experimentales atrajeron al parque a nuevos públicos y a bogotanos que llevaban años sin asistir al parque. Combos de ‘cuarentañeros’ estuvieron frente al imponente show de la española Ana Curra -ligada a la icónica movida madrileña-, una población que hizo presencia de nuevo en Rock al Parque, tras un largo rato de preferir ver el festival por televisión para evitar jornadas extenuantes y frías al aire libre.
Un momento memorable fue el del show de LosPetitFellas, quienes llamaron una nueva generación -y tal vez algo de público diferente- al parque y recordaron aquellas propuestas que sorprendían por su originalidad cuando aparecían en las tarimas de Rock al Parque. Por un instante, las reacciones del público parecían las que en su momento lograron los ya desaparecidos Los Tetas de Chile o, incluso, los argentinos de Illya Kuryaki & The Valderramas, que atraían miles de jóvenes por su novedosa música, cuando no había redes sociales y los públicos alternativos se formaban gracias a MTV, a las revistas independientes o a la Radiodifusora Nacional de Colombia. Esta vez fueron ‘los Fellas’ los que hicieron prender miles de luces de celulares y, conmovidos con la respuesta por parte del público, lograron una profunda conexión con ese instante, que recordarán por siempre.
También hubo lugar para los conciertos de propuestas diversas como las de los chilenos Javiera Mena o Matías Aguayo, y la de los mexicanos de Sonido Gallo Negro, que evocaron aquellas sensaciones que en 2001 provocaron sonidos como los de los mexicanos de Kinky, Sussie 4 o Nopal Beat, cuando la electrónica latinoamericana se empezó a incluir en el festival, contra la voluntad de los puristas y los rockeros radicales, que más de 20 años después aún se oponen a que propuestas como estas sean incluidas en el evento.
Entre las sorpresas nacionales estuvieron los clásicos de Medellín Los Árboles, las originarias de Pasto (sur de Colombia) Las guaguas del punk o los bogotanos de La Real Academia del Sonido, que sobrepasaron las expectativas de asistencia en sus presentaciones y mostraron la existencia de los diferentes nichos de la música hoy día. Asimismo ocurrió con los españoles de Carolina Durante o los mexicanos de Daniel, me estás matando, cuyas canciones fueron coreadas por cientos de fervientes seguidores.
Rock al Parque es un evento público que fue creado originalmente para destacar a los grupos locales, por lo que es importante resaltar dos actuaciones. Una es la del grupo Armenia, que rápidamente se ha hecho a una gran fanaticada entre los más jóvenes, y la otra es la de LaTenaz, con su propuesta de ‘rock arrabalero’, protagonizada por la fuerza de la voz de Tana Vallejo, una artista que ha acompañado el sonido bogotano desde la escena alternativa las últimas dos décadas.
Otra presentación clave del festival fue la de Aterciopelados. Aunque cuando su participación fue anunciada abundaron los comentarios negativos en redes sociales, reclamando oportunidades para nuevos artistas, allí, en vivo y en directo, se demostró una vez más que los haters virtuales no son el público real. Tal vez las críticas se dieron porque no se explicó a tiempo que los ‘atercios’ estarían allí con un repertorio especial, el de su álbum El Dorado, y no con una presentación habitual. Ante los aplausos y, como en LosPetitFellas, las luces cubriendo toda la plaza del Parque Simón Bolívar, se hizo evidente, de nuevo, que Andrea Echeverri es la figura más carismática del rock colombiano. Es indiscutible.
Sin lluvia, miles de aficionados al reggae, el ska y sus parientes musicales cercanos volvieron también al parque, como en los viejos tiempos, a disfrutar de Javier Alerta, Los Auténticos Decadentes, Los Pericos, Salón Victoria, Los Calzones y Tijuana No. Un momento mágico pudo haber sido el de Julieta Venegas haciendo una aparición en Pobre de ti, pero no ocurrió. Eso sí, la mexicana recordó en su concierto la importancia de Rock al Parque en su carrera, ante miles de personas felizmente estrujadas de poder ver gratis a la ahora gran estrella pop.
Entonces, los momentos mágicos o al menos cautivantes no los proporcionaron solamente los artistas más famosos y estuvieron también en las presentaciones de debutantes en el Simón Bolívar. Las puestas en escena de los venezolanos de La Vida Boheme y de la argentina Malirina Bertoldi fueron un poco más allá de las canciones.
Henry D’Arthenay encarnizó su personaje de frontman en tarima, que excede al de un cantante común por su vigor y teatralidad, y convirtió el concierto en un performance, de la mano de la interpretación musical impecable de sus compañeros en escena. Con sus overoles amarillos, mientras una nube gris intentaba sin éxito opacar el sol, los integrantes de La Vida Boheme por fin pudieron estar en el tan anhelado festival, para el cual intercambiaron su típica canción de cierre La vida mejor por un oportuno tema, como si hubiera sido compuesto para ese momento. Con Acción (o decreto de guerra a muerte a los traidores del rock latinoamericano) se despidieron de Rock al Parque.
En la noche, frente a un público más discreto pero apasionado por su primera aparición en Colombia, Marilina Bertoldi se presentó con un set en el que hizo gala de sus habilidades artísticas y su hambre por explorar los matices de sus distintas canciones, a veces en la guitarra y otras en la batería. Mientras las multitudes bailaban ska en el final del festival, hablamos con ella y le dimos nuestro cierre a la edición 27 de Rock al Parque.
Latin Roll - Actualidad
El sol volvió a Rock al Parque
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